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Pit, artiste et prof de dessin

Nous avons voulu en savoir plus sur la double casquette de Pit : artiste et prof de dessin, et nous avons découvert un personnage touchant et passionné.

Qu’est-ce qui a déclenché votre amour du dessin et de  son enseignement ?

Cela s’est fait assez progressivement. En réalité je suis passionné par beaucoup de choses. Apprendre de nouvelles compétences est ce qui me stimule le plus.

A 14 ans, j’ai commencé à dessiner des bandes dessinées débiles pour mon grand frère car ça le faisait rire. Mais voyant que je ne progressais plus vers 17 ans, j’ai tout lâché.

Vers 25 ans, après mes études en kinésithérapie, j’ai repris le dessin et j’ai ouvert mon premier livre sur l’apprentissage des bases. À partir de là, mon point de vue a radicalement changé. Comme j’avais été longtemps frustré par mon manque de bases techniques, j’ai décidé d’en parler sur un blog, histoire de partager avec des gens comme moi, des autodidactes qui ont appris sur le tard. Le simple fait de partager mes difficultés de façon transparente et de parler des solutions que j’avais trouvées a suffit pour éveiller la curiosité des internautes. Ce succès m’a motivé à pousser mes connaissances théoriques et pratiques, et à me diriger vers l’enseignement. Qui l’aurait cru ? Pas moi en tout cas ! ;) Comme dirait Forest Gump : «La vie c’est comme une boite de chocolat, on ne sait jamais sur quoi on va tomber».

L'artiste dans son studio

Tout ce qui touche à mon entourage me stimule. J'ai besoin de sentir que les gens que j'aime m'apprécient en retour, et je fais tout pour leur rendre la vie plus belle quand cela m'est possible. Le dessin en fait partie.

Quel est le meilleur conseil que vous ayez reçu en tant qu’artiste, et le pire ?

Le meilleur conseil vient d’un illustrateur français que j’apprécie beaucoup, Miguel Coimbra, qui m’a révélé les réalités du métier d’illustrateur. Le plus grand secret du dessin est en fait de persévérer et d’y croire. Dit comme ça, ça peut paraitre bête, mais aujourd’hui je comprends tout l’intérêt de cette notion.

Beaucoup de personnes pensent que le dessin est un don. C’est assez naïf comme vision. Je crois sincèrement que le talent vient en faisant. Comme disait Brel : « Le talent c’est d’avoir envie ». Le vrai talent est réservé à ceux qui n’abandonnent jamais. Pour réaliser ses rêves, il faut croire en soi, se sortir les mains des poches, et surtout ne jamais se donner des excuses bidon et jeter l’éponge.

Le pire conseil est venu de mon entourage qui me disait que j’étais fou de passer d’un métier paramédical où je gagnais confortablement ma vie, à une activité artistique qui « n’est pas un vrai métier ». C’est dans ces moments qu’on sait reconnaitre les personnes qui nous tirent vers le bas, et celles qui nous poussent vers le haut en nous encourageant. La peur peut nous faire faire les pires choses.

Internet vous fait-il peur pour les droits d’auteur de vos œuvres ? Comment les protégez-vous ?

A partir du moment où on met ses images sur Internet, tout peut arriver, mais je pense qu’il ne faut pas dramatiser la situation non plus. Un très grand nombre d’artistes sont sortis de l’ombre grâce à Internet. Et quand je dis « sortir de l’ombre », j’entends aussi « sortir des problèmes financiers ». Un artiste, par essence, est une tête de mule qui ne souhaite pas demander de l’argent aux autres par fierté et qui veut travailler sur ce qu’il aime. Cela peut sembler admirable à l’échelle personnelle, mais à l’échelle professionnelle une attitude pareille peut s’avérer catastrophique.

Dans ce métier, dessiner ne suffit pas, il faut passer du temps à assurer sa promotion. Tout artiste professionnel doit communiquer, se constituer un réseau, être arrangeant par moment et faire certaines concessions. Quand l’on partage mes images, je demande simplement que mon nom soit cité, cela permet aux investisseurs de me retrouver facilement grâce aux moteurs de recherche. Pour savoir qui partage mes images, je vérifie avec Google Image les images qui ressemblent aux miennes, et le tour est joué.

La meilleure composition est souvent celle qui se lit le mieux, celle dont la clarté et la lisibilité se démarque du lot.

Quelle est la chose la plus amusante ou la plus incroyable qui vous soit arrivée en tant qu’artiste ? Ne nous cachez rien !

J’ai connu une de mes meilleures amies à travers mon blog. J’ai aussi connu mon mentor grâce à mon blog. ll s’agit de Jean-Baptiste Monge, illustrateur que j’ai toujours beaucoup admiré. Depuis 3 ans, nous sommes devenus des amis proches. Sa femme Margot et lui, sont des personnes qui apprécient les petites choses et se contentent de peu, mais agissent toujours plus pour changer leur vie tout en aidant les autres dans le processus. On se ressemble vraiment, je me sens fortement lié à eux. Je les aime comme mes frère et sœurs et je sais qu’ils pourront toujours compter sur moi.

Dame nature et la famille renards

Comment concevez-vous un dessin ? Parlez-nous, par exemple, de cette illustration : « Dame nature et la famille renard ».

Cette illustration est un peu le symbole du renouveau dans ma vie. Depuis l’ouverture du blog je n’ai plus un moment de libre pour mes productions personnelles. Pour optimiser mon temps de création, j’ai pris le temps de me faire plaisir tout en créant une de mes formations pour mes élèves.

Pour ce qui est des étapes graphiques, on peut les retrouver dans un article sur mon blog, mais en voici les grandes lignes :

Après avoir trouvé une thématique (étape essentielle pour canaliser ma créativité) je commence par sortir l’idée de ma tête en la transformant en mots. C’est très important de résumer son illustration en une ou deux phrases, on peut alors trouver d’autres idées par association. A partir de là, je dessine ce qui me passe par la tête, au format vignette (format de taille inférieure à la paume de ma main). J’esquisse plusieurs miniatures, pour dégager le meilleur plan et la meilleure composition.

Ensuite, je réalise une vignette un peu plus grande en détaillant un peu plus, et surtout, en détaillant l’ambiance lumineuse et les tonalités. Puis je fais des recherches pour chaque personnage / protagoniste, pour le décor et pour les éléments moins importants, histoire d’y incorporer ma patte d’artiste et ma vision. Je redessine ou transfère mes études sur un plus grand format et je finalise l’illustration. La finalisation a beau être le processus le plus lent, le plus gros du travail est déjà fait à ce point.

Toutes ces étapes me permettent d’avancer sans prendre trop de risques et d’aboutir à quelque chose de consistant et d’efficace, lentement mais sûrement. Même si le processus prend du temps, le jeu en vaut la chandelle. Les images qui découlent de cette méthode sont souvent à la fois soignées et professionnelles. Le temps net de travail pour cette image est d’environ 13 heures.

Votre rêve d’artiste le plus fou ?

Voyager à travers le monde et dessiner/peindre des inconnus au fil de mes rencontres et de mes explorations. Ce serait génial ! Dernièrement j’ai réalisé un autre rêve un peu moins ambitieux, celui d’emménager dans un nouveau studio plus spacieux et plus confortable pour travailler autant en techniques traditionnelles qu’en techniques numériques. C’est chose faite ! Cela faisait plus de 10 ans que j’en rêvais. Le travail a finalement payé. Mais pour mon premier rêve je n’ai pas dit mon dernier mot. Affaire à suivre ! :)

 

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